Ich bin verliebt. In die Töne. In Tocotronics neues Album „Schall und Wahn“. 9/10 gut und gerne. Ich habe eine Weile daran gedacht, jeden Song hier in Moosbett auseinander zu interpretieren. Doch im Grunde verweigern sich die Lieder wie so oft zuvor eindeutigen Zuordnungen. „Schall und Wahn“ setzt die Richtung fort, die die Band seit K.O.O.K. eingeschlagen hat: Romantische Poesie verbunden mit musikalischem Exzess. Alles ist irgendwie zu groß, um erfasst zu werden. Kitschig und doch schön. Testosteron könnte nicht weiter entfernt sein.

Interessanterweise tauscht das Album mit „Kapitulation“ die Rollen. Während ich dort die Texte sehr einladend und die Musik zu Weilen etwas abweisend empfand, mag ich mir hier weniger Gedanken um einen übergeordneten Sinn hinter dem (wunderschön) Gesungenen machen und einfach den Klang genießen. Das geht schon mit dem mächtigen Opener „Eure Liebe tötet mich“ los, was man gut und gerne als „Hi Freaks“ 2 verstehen kann, quasi eine direkte Anrede an den Fan(atiker). Da bildet sich gegen Ende des 8Minüters ein so unglaubliche Klangsturm, es zieht einem die Socken aus. Ähnlich davontragend ist auch das Ende des Albums, wo das süße „Gift“ von Geigen verabreicht wird.

Neben den „üblichen“ tollen Liedern im Tocotronic-Stil stechen 3 Lieder heraus: „Stürmt das Schloss“ ist das „Sag alles ab“ von „Schall und Wahn“, schnell, kurz, aggressiv. Die Abkürzung SDS wird immer wieder auf die gleichnamige Studenten-Gruppe aus den 60ern bezogen, funktioniert aber im Liedkontext mit dem durch das Textheft beigefügte D ebenso als Aufruf an alle Castingverlierer, ihre eigene Band zu gründen. „Im Zweifel für den Zweifel“ ist eine ausschließlich von Akustik-Gitarre vorgetragene Absage an alle Sicherheiten. „Bitte oszillieren Sie“ (zwischen den Polen Bumms und Bi) ist dann ein einziger (toller) Witz. Es macht den tocotronischen Humor aus, im Dschungel von Philosophie und Querverweisen auch mal albern zu sein: Ping Pong ohne Hierarchie! Es versteht sich von selbst das wie so oft mit „Macht es nicht selbst“ das schlechteste Lied zur Single-Auskopplung herangezogen wurde.

Natürlich können Kritiker wieder das gleiche sagen wie immer: Arrogante Künstlerschnösel, die zusammenhangslose Wortfetzen ausspucken. Und diese Frisuren! Und dieses schwule Gejammer! Muss ja nicht jeder mögen. Und wozu sich für seinen Musikgeschmack verteidigen? Alles hat seinen Wert für irgendjemanden. Egal ob das nun Lady Gaga für einen Teenie ist oder diese unzugänglichen Herren von Tocotronic für mich. „Schall und Wahn“ wird mich wieder einige male durch die Straßen begleiten und jeden Song in verschiedenen Situationen anders interpretieren lassen. Musik und Text, die die Gedanken anregen und neue Standpunkte zur Welt veranlassen, darauf kommt es doch vor allem an. Man muss sich ja an nichts klammern, da oszilliere ich doch lieber.

Muse

The Resistance ist das fehlende Bindeglied zwischen der Vergangenheit und der Zukunft, und bietet trotzdem eine eigene Qualität. Man könnte auch sagen, Muse wollen es allen Recht machen. Für die Dancefloors gibt es die erste Singleauskopplung Uprising, bei der der Titel Programm ist und somit einen guten Einstieg ins Album bietet.

Das Titelstück Resistance kombiniert ein sphärisches Klavier, queen-artige Chöre und Bombastrock. Ein gutes Beispiel für das ganze Album: Jeder kriegt seins und muss sich fragen, ob es mit dem Rest harmoniert. Undisclosed Desires kommt komplett ohne Gitarren daher und wirkt, als wollten Muse mal ein RnB-Song aufnehmen. Daher kommt das Ganze etwas eintönig daher, auch wenn der Sound angenehm brutzelt und von einem Ohr zum anderen wandert. Muse haben hier erstmals ihr Album selbst produziert und die Liebe zur klanglichen Perfektion ist dem ganzen Album anzuhören.

Wer nach diesem kleinen Durchhänger die Deckung fallen lässt, ist den United States of Eurasia hilflos ausgeliefert. Das entführt uns zunächst mit einem intimen, hollywoodschen Klavier in die 50er Jahre, überrascht uns wieder mit Queen, geht in ein bombastisches Oriental über (Lawrence of Arabia, I‘m loving it!), bringt ein imaginäres Stadion zum Mantraruf „EuraSIA!“ um sich schließlich zu einem Klavierstück von Chopin zu beruhigen und von Disney-esken Chören nach Hause gebracht zu werden. Großes Kino!

Es folgt die Hymne Guiding Light. Die klingt leider ziemlich gewollt, erinnert stark an U2 und dümpelt viel zu lange ohne Abwechslung vor sich hin. Wie ein Starlight ohne die hookige Melodie. Ich weiß nicht, ob es am enttäuschenden Guiding Light liegt, aber Unnatural Selection haut mich dann wieder von den Socken. Von Anfang an prescht der Groove los wie zu besten New Born Zeiten. Gerade wenn man meint, es fehle an Abwechslung, nimmt der Song das Tempo heraus und eine schwer atmende Gitarre quält sich durch das Nichts und wird von Matthew Bellamy langsam zur ewigen Ruhe gesungen. Und dann, wenn alles schläft, prescht wieder dieser Groove nach vorne, Bellamy fordert: I want the truth! Und ein fast schon zu böse klingendes Riff macht den Deckel zu. Fein fein!

MK Ultra präsentiert sich als ziemlich bedeutungslos. Es hört sich komplett nach Muse an, hat aber kein einziges, originelles Element. Der Sounds brutzelt wieder angenehm, aber gerade auch das gewollt kraftvolle Ende ist gerade dies nicht. Muss man nichts zu sagen. I belong to you (mon cœur s’ouvre à ta voix) ist nicht spektakulär, aber sympathisch. Das Klavier entführt uns diesmal subtil nach Sizilien, ein Blubberbass klettert schelmisch die Tonleiter rauf und runter, während wir uns langsam vom Lagerfeuer wegbewegen und zu einem Tänzchen unter dem Sternenzelt wechseln. Bellamy gibt sich redlich Mühe seine Stimme zu dehnen, während sein angenehmes Vibrato langsam Gesellschaft von einer leisen Oboe bekommt, die uns wieder an das Lagerfeuer zurückführt. Höfischer Ball und mediterrane Folklore: Eine ungewöhnliche, aber funktionierende Kombination.

Wir kommen zum sinfonischen Abschluss des Albums, nämlich zur dreigeteilten Symphonie Exogenesis. Die Overture erinnert zunächst an Synthie-Experimentierlaune, wird dann aber auch wieder von der dreckigen Gitarre in den wilden Westen des Andromedanebels entführt. Das hat schon bei Knights of Cydonia funktioniert und kommt diesmal subtiler daher. Nett. Cross-Pollination lässt uns teilhaben, wie ein Klavier einen Vogel durch das Weltall begleitet, er steigt in Planetentäler hinab, umrundet Sternennebel und gerät urplötzlich in den Gerichtshof des intergalaktischen Rates: Hier geht es um nicht weniger als das Schicksal des Universums: Spread our codes to the stars / You must rescue us all / Tell us / tell us your final wish / We will tell it to the world. Wie erfahren nicht, wie die Entscheidung ausfällt, der Klaviervogel entführt uns wieder in die Weiten des Alls. Redemption ist das Ende und ist der Neubeginn. Jede Taste des Klaviers schlägt Wellen, breitet sich aus in Raum und Zeit. Streicher erwachsen aus dem Nichts, werden lauter.

Let’s start over again 
Why can’t we start it over again?
Just let us start it over again
And we’ll be good 
This time we’ll get it… 
We’ll get it right
It’s our last chance to forgive ourselves

Langsam tragen die Streicher das Klavier hinfort.

Ich mag das Album. Auch wenn einige Songs nur durchschnittlich sind für Muse, so kombinieren sie doch die Dinge aus Origin of Symmetry und Black Holes and Revelations die ich mochte und lassen das weg, was ich weniger mochte. Die Songs wühlen einen auf, lassen einen in einem Moment die Fäuste in den Himmel strecken und im anderen wohlig die Augen schließen und träumen. Inspirierend. Pure Muse.

Pro.

Kontra.

Zunächstmal, liebe Verantwortliche: Es ist äußert beknackt auf die Eintrittskarten 21 Uhr zu schreiben, wenn die Vorband schon 20 Uhr (oder früher?) loslegt. Wir waren zwar pünktlich ne Stunde vorher da, da war die (miese, weil unoriginelle und ewig gleichklingende) Vorband namens “A Heart Is An Airport” bereits am rumsäuseln (Marke “Sunrise Avenue”). Das Publikum war licht und starr. Nunja, immerhin bekommt man gute Plätze, wenn die Masse der Leute erst um 21 Uhr rum eintrudelt. Die bestand glücklicher(und komischer)weise sowohl aus jungen Indie-Mädchen als auch 30-50jährigen, die wohl wegen der o.g. Single reingeguckt haben. Oder sollten diese Menschen am Ende doch gar guten Geschmack haben? Nein das kann nicht sein!

Dann der Mainact. Geile Show, das muss man sagen. Viel Licht, viel Schatten, viele Keyboards. Tolle Moves, ständiger Instrumentenwechsel, tolle Kostüme, hatte teilweise was von der Blue-Men-Group was die Performance angeht. Das Gesicht des Sängers strahlte die ganze Zeit als gäbs nix Schlechtes auf der Welt und sein Gesang schwebte irgendwo zwischen Traum und Himmel. Wirklichkeitsverschiebung hoch 10, wenns auch gegen Ende etwas an Puste verlor. Aber auch nett, wenn der Sänger mal eben durchs Publikum geht und von hinten weitersingt, auch ohne Mikro. Außerdem war er barfuß unterwegs und Linksträger, wie meine Begleitung bemerkte, aja. Bei dem klebrigen Boden in der Factory sicher kein Spaß. Als letztes Lied das obligatorische “Allein Allein”, mit starkem Mitsingfaktor in der ganzen Halle, was sein muss, muss wohl sein. Zugabe 2 Lieder, davon ein(?) Cover (“Such a shame!”), geht in Ordnung.

Fazit: Erwartungsgemäß live sehr mitreißend und toll inszeniert, wenn auch nicht allzu abwechslungsreich. Sollte man mal gesehen haben.

Folgender Autritt ausm Schauspielhaus Dresden, leider ohne die tollen, aktuellen Kostüme:

Ich geb zu, ich hab erst bei der Hälfte eingeschaltet, Schillerstraße war dann doch irgendwie interessanter. Erster Beitrag: “Fotos” (mein erstes Live-Konzert! Naja, sie waren Vorband). Klang flach, was aber eher am Sound als am Lied lag. Die nächsten Bands wurden leider nicht besser, von einigen Lichtblicken wie Polarkreis 18 und Peter Fox mal abgesehen. Was mich zu drei Haupteindrücken des gestrigen Abends bringt:

1. Es scheint in Deutschland keine Originale mehr zu geben. Mit wenigen Ausnahmen konnte man jeder Band auf einen Schlag ein Bandvorbild zuordnen. Seed, Deichkind, Beatles…von den unzähligen JungGenerationRockScheiß ganz zu schweigen (Hallo Angela’s Park! Hallo Sachsen-Anhalt! Ich glaub ich zieh weg!). Auftritt, Stil, Kostümierung…einfach frech und schlecht kopiert.

2. Eigentlich war fast klar, das Peter Fox gewinnt (und Polarkreis 18 den 2. Platz absahnt), schon im Vorfeld. Ebenso wie klar war, dass in den Vorjahren Juli, Seed, Jan Delay oder Subway to Sally gewinnen. Weil fast immer 1-2 schon längst berühmte und beliebte Bands antreten, gegen die dann die ganzen Newcomer keine Chance haben. Ist das schlimm? Nö. Denn Raab meinte mal in einem Interview, dass es ihm darum ginge, die jungen deutschen Musiker zu fördern. Und das tut er ja mit dem Wettbewerb auf jedenfall, unabhängig davon, wer am Ende nun auf dem 1. Platz landet. Ohne diese Headliner würden sich die Show ja nun auch viel weniger Leute angucken. Und davon hätten die Teilnehmer auch wieder nichts.

3. Die Bundesländer dürfen für sich selber abstimmen. Schlimm? Nö, denn weil das fast jedes Bundesland macht, hat auch keiner nen Nachteil (außer die Ehrlichen…nochmal hallo Sachsen-Anhalt! Ich glaub ich zieh wieder her!). So gewinnt dann halt der, der am meisten 10 Punkte kassiert.

Musikalisch fand ich vieles Mist, einiges ganz okay (Olli Schulz per se, Peter Fox und Polarkreis 18 gingen auch i.O., Sven van Thom soweit ichs mitbekommen hab). Das Gerede der Bands in den kurzen Promo-Videos sollte man aber meistens am besten ignorieren. Weiterer Vorteil der Show: Wir werden uns mal wieder bewusst was es so für Bundesländer in Deutschland gibt und was man damit assoziieren kann (“In Rheinland-Pfalz gibt es viele Burgen.” Yeah!). Also erfüllt die Sendung glatt noch einen Bildungsauftrag, Wahnsinn.

Kann man sehen, muss man nicht, aber schön, dass wir drüber geredet haben.

P.S. Zu den Moderatoren: Raab ist routiniert, Johanna gehört in die Tonne.

Luft

Die Luft ist so nutzlos um mich herum
So schön vergeht jetzt ein Millenium

Schon die ersten beiden Zeilen sprechen mit dem Kapitulations-Konzept: Die Schönheit des Negativen. Mit Ignoranz werden selbstverständliche Dinge wie die Luft betrachtet, nicht gesehen, wie notwendig sie sind, da man so gut wie nie ohne sie auskommen muss. Doch diese einseitige, subjektive Betrachtungsweise wird mitnichten verurteilt, sie wird genossen: Trotz oder gerade wegen der Sinnlosigkeit der Luft vergeht die Zeit, eine Ära, das Millenium schön. Dass sie damit endet muss damit nichteinmal gemeint sein.

Ja ich habe heute nichts gemacht
Ja meine Arbeit ist vollbracht

Ja, eine Antwort auf eine Frage, einen Vorwurf, den wir uns vorstellen müssen. Entsprungen der Leistungsgesellschaft: Wie bitte, du liegst hier rum, erfüllst deine Pflichten nicht, kümmert dich um so etwas unwichtiges wie Luft? Die Antwort zeigt keine Reue, die persönliche Arbeit ist vollbracht:

Ich atme nur

Es fragt sich nun, ist das Atmen, das Existieren, das Bewusstwerden die fragliche Arbeit? Das Auseinandersetzen mit den oben genannten, selbstverständlichen Dingen, die wir so oft ignorieren? Oder ist es das Durchatmen nach der gemachten Arbeit, der verdiente Lohn? Die Hingabe zum Nutzlosen als Zuckerstück für die Knüppelei mit den Aufgaben, die das Leben so stellt?

Genau wie jetzt nur ein bisschen anders wird es sein
Sei schlau und kleb die Bilder ein
Ja ich habe heute nichts gemacht
Ja meine Arbeit ist vollbracht
Ich atme nur

Es geht also um Veränderungen und Erinnerungen. Dinge vergehen, bleiben nur über Metaphern wie dem Fotoalbum für längere Zeit im Gedächtnis. Diese Veränderungen werden nicht sehr positiv betrachtet, weshalb der wiederholte Refrain nun schon wirkt, als würde sich das lyrische Ich gezielt gegen eine erneute Arbeit wehren. Diese Zeilen ergeben vor allem im Folgenden Sinn:

Und jetzt weiter im Text
Neue Fehler warten
Steine liegen auf dem Weg
Ich leg sie rüber in den Garten

Und jetzt weiter im Text: Auch wenn man sich gerne in der Lethargie verlieren möchte, so ist es notwendig, seinen Standpunkt zu verdeutlichen um dies zu legitimieren: Das geforderte zukünftige Handeln trägt Missgriffe in sich, Steine liegen auf dem Weg. Ein Sprichwort sagt, man solle Brücken aus diesen Steinen bauen, hier werden sie nur aus dem Weg gelegt: Die Fehler der Zukunft werden nicht als Chance begriffen, sie werden höchstens gemieden.

Ich warte bis es dunkel ist
Und ich seh die Schatten fliegen
Ich warte bis es dunkel es
Das Nutzlose wird siegen
Das Nutzlose bleibt liegen
Also züchte ich mir Staub
Entschuldigung das hab ich mir erlaubt

Warten, nichts tun. Andere agieren lassen, Schatten werfen lassen. Die Sinnlosigkeit im Handeln, gerade durch die erwähnten, zwangsläufigen Fehler lassen den triumphieren, der sich dieser Aufgabe verwehrt: Wer keinen Nutzen hat, der ist niemandem etwas schuldig. Und wer niemandem etwas schuldig ist, der kann niemanden enttäuschen. Wer nicht kämpft, hat schon verloren? Unsinn: Wer nicht kämpft, kann nur gewinnen. Diese These ist natürlich höchst provokativ, aber die eine oder andere Überlegung wert und unterwirft sich nicht ganz dem konformativen Leistungsprinzip der Gesellschaft. Staubzüchten ist dabei eine wohlwollende, aktive Umschreibung des eigentlich passiven Nichtstuns: Ganz klar ist Nichtstun eine Tätigkeit, für die man sich scheinbar entschuldigen muss, auch wenn man sich dafür entschieden hat: Der Hohn in dieser Aussage ist nicht zu übersehen, das lyrische Ich ist überzeugt von der Richtigkeit seines Handelns.

Und jetzt weiter im Text
Neue Wege gehen
Ich weiß ich werde jetzt
Jedem zu Verfügung stehen
Ich gehe wenn der Tag beginnt
Und ich seh die Schatten fliegen
Ich gehe wenn der Tag beginnt
Das Nutzlose wird siegen
Das Nutzlose bleibt liegen
Also laufe ich durchs Laub
Entschuldigung das hab ich mir erlaubt

Und so wird die Verweigerung aufgelöst, die vorherigen Strophen werden zu einer Episode, einem endlichen Gefühl, welches jeder einmal durchmacht um sich früher oder später davon zu lösen. Die Lethargie wird ersetzt durch Tatendrang! Ich gehe neue Wege, und wenn noch soviele Steine darauf liegen! Wer will etwas von mir, ich stelle mich ihm! Die Schatten fliegen, ich bin das Licht! Und auch wenn das Nutzlose bestehend bleibt wie totes, sinnentleertes Laub: Ich durchschreite es, lasse es hinter mir. Entschuldigt meinen Sinneswandel, den hab ich mir erlaubt.

Vorab: Meine Bemerkungen stellen lediglich persönliche Gedankengänge zum Liedtext dar und haben natürlich kein Anspruch auf Vollständigkeit, insofern es eine solche bei Interpretation überhaupt geben kann. Interessanterweise hielt ich “Imitationen” von Anfang an für ein waschechtes Liebeslied, bis mich jemand verwundert darauf ansprach, wie ich denn darauf käme. Dazu im Folgenden mehr.

Imitationen

Imitationen von dir
Befinden sich in mir
Imitationen von dir
Verbünden sich mit mir

Ich habe von der Intimitäts-Theorie “Bei sich sein im anderen” gehört, dies scheint das Gegenteil darzustellen. Der andere ist in mir, bzw. eine Imitation von ihm. Verliebte würden vermutlich von “Er/Sie geht mir nicht aus dem Kopf” reden, man müsse ständig an den anderen denken. Das Ebenbild des Anderen ist in mir, dies könnte auch bedeuten, ich gleiche dem anderen. Ich sehe uns nicht als etwas Divergentes, sondern als etwas Gemeinsames. Das Wort Imitation löst die offensichtliche Unmöglichkeit physisch eins zu sein, so denn es sich denn beim Du um einen Menschen handelt (geht man nicht davon aus, bieten sich viele weitere Interpretationen an). Dass diese Imitationen (wohlbemerkt: Plural) sich mit dem lyrischen Ich “verbünden”, sehe ich als positive Wertung des Prozesses an. Die Wortwahl wiederum ist vermutlich dem militärischen Konzept des Albums “Kapitulation” zuzuschreiben.
Die Strophe beschreibt also grob gesagt, wie die Vereinigung zunächst fremder Facetten (einer Person?) mit der eigenen Identität vollzogen wird.
Beispiel: Ich passe mich dem Menschen an, den ich liebe.

Berühren und begleiten mich
Sagen es gibt kein wahres Ich
Verspüren und bereuen nichts
Spucken den Leugnern ins Gesicht

Die Liebe als Verführer? Die Erlösung durch Selbstaufgabe: ein Bild, welches sich durch das ganze Album zieht. Die Anpassung an andere ist so angenehm und befreiend, dass man seine eigene Identität aufgeben möchte. Wir bilden uns ein, es hätte kein “wahres Ich” gegeben, wir seien so, wie uns das beruhigende Gefühl der Gemeinsamkeit verspricht. Wie sehr verteidigt man nicht auch in einer Verliebtheit die Gemeinsamkeiten mit dem Partner gegenüber anderen und “leugnet” Kommentare wie “Du hast dich verändert”? Diese Selbstaufgabe wird zunächst nicht bereut oder auch nur wahrgenommen, wenn auch oft hinterher umso mehr.

Dein gut ist mein gut
Dein schön ist mein schön
Dein wahr ist mein wahr

Man sieht die Dinge also mit den Augen des anderen, bejaht dessen Aussagen, findet schön, was er schön findet. Spätestens jetzt ist die Selbstaufgabe vollkommen, man kann kein eigenes Urteil mehr bilden.

Imitationen von dir
Wiederholen sich in mir
Imitationen von dir
Klopfen an die Tür

Und leise reden sie mir ein
Du musst nicht du selber sein
Und leise reden sie mir ein
Wir werden dich von dir befreien

Dein schlecht ist mein schlecht
Dein schlimm ist mein schlimmm
Dein schlimm ist mein ganz schlimm

Interessanterweise handelt es sich bei diesen drei Absätzen um fast inhaltslgeiche Wiederhohlungen der drei Absätze davor. Während dort jedoch die Imitationen als eine Art Befreiungsfront erscheinen, werden sie zunehmend konspirativ. Nicht der Kampf gegen außenstehende Leugner wird gefochten, sondern gegen die eigene Identität, von der sie das lyrische Ich “befreien” wollen, als wäre es unanehmbar. Sie reden ein, sie überzeugen, sie überwältigen. Sie sind gekommen, klopfen an die Tür, doch wollen dich hinauswerfen. Dieser negative Aspekt der Vereinahmung durch Andere wird im dritten Absatz durch eine Umkehrung vom Guten zum Schlechten betont: Was du schlecht findest, muss ich auch schlecht finden. Ich habe nicht Mitgefühl mit dir, sondern ich übernehme einfach dein Gefühl.

Du bist so viel gereist
Im Zickzack durch die Zeit
Nirgendwo wo du bleibst
Manchmal nur durch Träume treibst
Fast durch die ganze Welt
Bist du zu mir bestellt
Fast durch die ganze Welt
Bist du zu mir bestellt

Eine interessante Umkehrung des Abhängigkeitsverhältnisses: Du, dessen Imitationen ich in mir trage, in den ich vielleicht verliebt bin, du bist zu mir “bestellt”, ohne Wahlmöglichkeit. Hattest in der Welt keinen Sinn, warst rastlos, in Träumen versunken. Bist du mich gefunden hast und dich in mir (Imitationen!) widerspiegeln kannst. Diese Passage erweckt tatsächlich Mitleid mit dem “Du” und relativiert die Passiv/Aktiv-Konstruktion der beiden Protagonisten. Im Liebesbeispiel: Der Geliebte kann nichts dafür, dass er geliebt wird, auch nicht, wenn er davon profitiert.
Da das lyrische Ich die Zeilen formuliert, können sie natürlich auch subjektiv ausgelegt werden, als eine Art Besitzanspruch: Du wurdest nur dazu geschaffen damit ich dich lieben kann. Diese einseitige Betrachtungsweise würde jedoch wiederum die Abhängigkeit des Erzählers betonen. Wenn er sich ganz dem anderen ergibt und dessen Identität annimmt: Was bleibt dann, wenn dieser ihn zurückweist?

Dein gut ist mein gut
Dein schön ist mein schön
Dein wahr ist mein wahr
Dein schlecht ist mein schlecht
Dein schlimm ist mein schlimmm
Dein schlimm ist mein ganz schlimm

Nocheinmal die Wiederholung der positiven und negativen Aspekte, die zeitgleich mit der Selbstaufgabe für einen anderen (alternativ: eine Sache) auftreten. Selbstverständlich kann beides insgesamt als erstrebenswert erachtet werden oder eben abgelehnt werden.

Auch wenn ich wie gesagt das Lied von jeher als Liebeslied gesehen habe (die persönlichen Identifizierungsprozesse springen wohl bei diesem Thema augrund der starken Bedeutung immer als erste an), könnte man es wie erwähnt auch auf andere Bereiche übrtragen (Aufgabe der eigenen Meinung, Übernahme von gesellschaftlichen Überzeugungen etc.).